Siempre estoy mirando la obra de otros fotógrafos para aprender e inspirarme. Durante este mes voy a presentar dentro del reto aquellos fotógrafos que vaya descubriendo. El primero que voy a subir es Paolo Roversi. Nacido en Rávena (Italia) en 1947, Paolo Roversi descubrió la fotografía en su adolescencia durante un viaje familiar a España en 1964, experiencia que lo llevó a montar un cuarto oscuro improvisado en el sótano de su casa y a iniciar su carrera como fotoperiodista para la agencia Associated Press cubriendo eventos como el funeral de Ezra Pound. En 1973 se trasladó a París, ciudad que sigue siendo su hogar y centro operativo, donde comenzó como asistente del fotógrafo británico Laurence Sackman —de quien aprendió el rigor técnico y el control absoluto del estudio— antes de despuntar en revistas como Elle, Marie Claire y, posteriormente, Vogue Italia. A comienzos de los años ochenta descubrió la película Polaroid de gran formato (8x10), un hallazgo que definió definitivamente su identidad visual y lo consolidó como uno de los autores más influyentes y singulares de la fotografía contemporánea. Paolo Roversi ha construido una obra que funciona a contracorriente de la fotografía de moda contemporánea: mientras la industria persigue la nitidez quirúrgica y la inmediatez digital, él entiende la cámara como un instrumento pictórico para capturar lo intangible. Su sello inconfundible reside en el uso magistral de la película Polaroid de gran formato (8x10 pulgadas), un soporte ya descatalogado que le permite trabajar con revelados manuales y tiempos de exposición largos. El resultado son imágenes con texturas orgánicas, bordes imperfectos y colores desaturados o cálidos que parecen frescos renacentistas rescatados del paso del tiempo, donde el error químico se integra como parte esencial de la belleza. Su método de iluminación es prácticamente una coreografía en la oscuridad. Roversi suele trabajar en un estudio en penumbra utilizando una sola fuente de luz continua —a menudo una simple linterna Maglite con la que "pinta" al sujeto durante segundos mientras el obturador permanece abierto—. Esta técnica de light painting exige una quietud casi meditativa por parte del modelo, pero inevitablemente registra el micro-movimiento de la respiración o el parpadeo. Ese ligero desenfoque fantasmagórico despoja al retrato de su rigidez comercial y lo transforma en una presencia etérea, suspendida entre la aparición y el recuerdo.

Os comparto el vídeo con el que cierro mi proyecto de memento octubre de este año. Es el testimonio del recorrido que he realizado durante estos 31 días: descubrir, afrontar, transformarse y renacer. He querido transmitir con la canción que lo acompaña todo lo que ha significado este proceso para mí. Muchas gracias, @Rebeca Saray por mostrarnos el camino.

Comparto con ustedes algunas fotografías del Reto de Octubre y mi proceso. Este trabajo para mí significó un desafío, motivación, oportunidad, cambios y evolución. 1 Memento morí Percibo la luz en el limbo y las invitaciones al cielo abatiendo mi alma, yo soy mi única protección. 2 Plañideras Eternamente suspiro en silencio me conoces fuerte pero mis tinieblas son desconsoladas. 3 Epitafio Volver a ojear tus cartas me han habituado a derrumbarme, y sentir que existes en mi memoria. 4 La vela Esa luz que relumbra en mí, me plasmo disoluta las manecillas de este reloj bailan y bailan, mi existencia da vueltas es un laberinto sin escapatoria. 5 Luto Existo en esta penumbra intentando renacer, la opacidad me lastima tanto perjudicando mi existencia.

Estas tres fotos están inspiradas en la oficina dónde trabajan los protagonistas (Lemon y McClaine) de la película El Apartamento (1960) de Billy Wilder. En la primera (Horizonte alto / ángulo picado leve): Creo que transmite vigilancia, control y despersonalización. Al elevar la cámara, la mirada domina la escena desde arriba, convirtiendo a los empleados en piezas idénticas de un engranaje masivo y revelando la magnitud interminable de la oficina. En la segunda (Horizonte bajo / contrapicado leve): Transmite opresión arquitectónica y pequeñez. Al bajar tanto el horizonte, el techo con su cuadrícula infinita de fluorescentes aplasta visualmente a los trabajadores contra el borde inferior y subrayando el peso de la institución sobre el individuo. En la tercera (Horizonte centrado / simetría a la altura de los ojos): Transmite rigidez burocrática y equilibrio claustrofóbico. Al partir el encuadre exactamente por la mitad con una perspectiva frontal y simétrica se crea una sensación de orden inamovible, monotonía y parálisis donde no hay escapatoria visual, dirigiendo la mirada directamente hacia la figura solitaria que supervisa al fondo.

"Descubrir, afrontar, transformarse y renacer" Este es mi resumen para el proceso que he vivido estos 31 días. Un abrazo para tod@s!