Ventall pintat a mà amb acrílics. El gran debat, art o artesania. O quant l'art esdavé artesania o l'artesania art. Què en penseu? Abanico pintado a mano con acrílicos. El gran debate, arte o artesania. O cuando el arte se convierte en artesania o la artesania en arte. ¿Que pensais?

Ja fa uns anyets que ho vaig pintar. La cacera de bruixes, i el constant maltracte a la dona. Fins quan? Algú te la resposta? Ya hace unos añitos que li pinté. La caza de brujas y el constante maltrato a las mujeres. ¿Hasta cuando? ¿Alguien tiene la respuesta?

…la muerte a pellizcos por ignorancia del soporte y los materiales… Queridos y amadas artistas: Quiero hacer una serie sobre madera y como nunca había pintado a color, decidí coger un dibujo complejo para hacer primero una práctica. No lo he pasado peor con un dibujo en mi vida, menudo jardín. Deseando romperlo desde el minuto uno: no cogía el color, capas y capas, se me saturaba, no conseguía el realismo que quería, los lápices se hundían en la madera (a pesar de estar preparada con geso), la textura me rayaba, el blanco no iba, los tonos quedaban demasiado subidos o súper apagados, de verdad un auténtico horror, una cosa espantosa. Normalmente lo hubiera abandonado, pero decidí acabarlo para ver qué me encontraba y si era capaz de resolverlo. Nada satisfecha con el resultado (veo los miles de errores del final y de hasta donde he sido capaz de llegar) pero mucho con los aprendizajes: - la madera era de marquetería, completamente inadecuada para lápices. - No le puse capa base de color, totalmente necesario visto lo visto. - No se puede (o yo no puedo) lograr el mismo nivel de detalle en papel que en este tipo de soporte con lápices, se comportan de manera diferente y se manejan diferente. - Los lápices Derwent son cubrientes, tapan el color de debajo y no se integran por lo que son ideales para las equivocaciones. - Los policromos son más versátiles, menos cubrientes, permiten líneas pero en este soporte necesitan 1500 capas más de lo normal. Eso me cansa muchísimo. - El resto de lápices no me ha servido para nada! - A veces odio la saturación y a veces la amo. - A veces odio la intensidad y a veces la amo. - Puedo lograr vencer a mi cabeza! 💪🏼💪🏼 - Y…Todo vale para conseguir lo que se quiere: tiendo a usar solo un tipo de material (o grafito o lápices o acrílico), pero a este le he puesto de todo (sin mucho orden, sino por desesperación 😂😂😂😂): lápices, acrílico, acuarela y hasta rotuladores! (Si no llega a ser por los rotuladores hubiera abandonado seguro)

Y ese monstruo que pisa fuerte, Carbón y grafito sobre papel

Hola, mis queridos artistazos. Hoy vengo con un tema un poco "tostón", ¡jajaja! Os comparto este dibujo que hice hace tiempo como encargo. Esta pieza marcó un antes y un después en la forma de ver mi propio proceso. Me preguntan mucho cómo soy capaz de llevar varios trabajos a la vez, y la respuesta no tiene misterio: tiendo al desorden y a la dispersión (como siempre os he compartido). Durante mucho tiempo peleé contra eso, pero no funcionó. Quería mejorar en mi trabajo y entendí algo simple: si quiero avanzar, tengo que trabajar mucho. Mucho no... muchísimo. Como en cualquier oficio. Para mí, algo IMPORTANTÍSIMO es entender cómo funciono a nivel mental, físico y espiritual. Observar mi propio funcionamiento fue mucho más útil que intentar disciplinarlo a la fuerza. En los dos últimos años he interiorizado algo que quiero compartir por si a alguien le sirve: la desconexión entre el "deber ser" técnico y la realidad biológica de cada uno. A menudo confundimos este choque con falta de talento, y caemos en estos errores: - Confundir intensidad con constancia: A veces trabajamos por ráfagas (un día mucho, luego nada). Pero el trabajo no se construye con picos emocionales, sino con continuidad. trabajar mucho es aburrido muchas veces: la mejora aparece cuando uno insiste incluso sin ganas (lo hemos oído mil veces, pero es verdad). - Querer resultados antes de tiempo: Buscamos que la obra "salga bien" demasiado pronto y eso solo nos bloquea. Al principio, sin herramientas, queremos controlar el resultado. El control sin base genera frustración. Mirad a Iria, por ejemplo: ha mejorado una barbaridad con constancia y hoy su trabajo se reconoce a simple vista por sus trazos y colores. - Rechazar el error: Evitamos fallar o lo disimulamos. Pero el error no es un accidente, es el material principal; es oro puro. Quien no analiza sus errores, repite sin saber por qué. - Cambiar de dirección por incomodidad: Hoy una idea, mañana otra. No por exploración real, sino porque abandonamos justo cuando el trabajo empieza a exigir esfuerzo. Esto da sensación de movimiento, pero no construye ni obra ni carácter. ( este error se volvió mi dolor de cabeza) - Depender de la motivación: "Hoy no estoy inspirado". Eso es cierto, pero irrelevante. El avance real empieza cuando trabajas sin inspiración; de hecho, casi siempre la inspiración aparece trabajando, no antes. ( y esto... aburrido tambien por que lo hemos escuchado mucho, pero es verdad) - Imitar sin digerir: Se copia el estilo o la estética ajena. Es útil al principio, pero si no se procesa, se convierte en una forma de esconderse (confieso que yo sigo un poco en este limbo). - No observarse a uno mismo: Este es el punto clave. Intentamos aplicar métodos de otros sin entender nuestra propia cabeza. Ahí aparece el choque entre disciplina y naturaleza. Si intentas "pintar 8 horas en silencio" porque lo hacía un referente, pero tu cerebro es hiperactivo y necesita estímulo, vas a sentir que "fallas". No falla tu talento, falla el método aplicado a tu naturaleza. Mucha gente deja de crear por este punto. - Pensar que el problema es personal: El famoso "no valgo". Es peligroso. La mayoría de los bloqueos tienen que ver con el proceso, no con la capacidad.